Vera Medina entrevista o compositor brasileiro Filipe Leitão

Com o uso mais intenso das mídias sociais por toda a sociedade no último ano, ampliamos muito nossa capacidade de relacionamento digital e as oportunidades de conhecer pessoas, serviços e projetos que talvez jamais teríamos tido acesso anteriormente. E assim, fui surpreendida pelo contato com um músico excepcional, Filipe Leitão. Para quem gosta de composição e de todas as matérias de produção, a experiência de Filipe pode trazer muitos insights, e mais ainda para quem ainda pensa em ter uma carreira no exterior.

Filipe Leitão é tudo isso que enumerei e mais: professor, compositor, produtor musical, arranjador e sound designer. Nascido em Belém, Pará, mora nos Estados Unidos desde 2013. É mestre em trilha sonora (Music Production and Sound Design for Visual Media) pela Academy of Art University (San Francisco, California, EUA) e doutor em composição musical pela University of Alabama (EUA).

Filipe tem colaborado com artistas e diretores, produzindo e compondo música para filmes e video games, bem como tem escrito peças de música erudita. Atualmente é professor na Virginia Commonwealth University, onde está criando um novo programa em composição e design de som para cinema e games. Filipe tem ensinado composição, orquestração, produção musical, e composição para filme.

Foi numa tarde de maio que tivemos esse papo excelente o qual gostaria de compartilhar com todos.

Filipe, conte um pouco de sua formação e suas experiências no Brasil e EUA.

Sempre fui apaixonado por composição, criação de uma forma geral e sempre estive envolvido com arranjo, produção. Isso vem desde a adolescência, fazendo arranjos para pequenos grupos, uma mini orquestra na igreja e até bandas de música popular.

Sempre fui muito envolvido com a parte de criação, mudando harmonias, escrevendo para instrumentos, compondo. E em paralelo com essa vertente mais da música popular, cursei piano erudito, tendo me formado em curso técnico, mas também tocando piano popular. Minha base inicial foi o teclado e a leitura de cifras e formação de acordes tornou o meu estudo do piano erudito mais intuitivo, sendo possível analisar a música e intuir sua constituição pelo conjunto da obra.

Portanto, sempre existiram dois caminhos complementares na minha formação: o popular e o erudito. No final da minha adolescência, fui aprovado em universidades públicas. Cursei Publicidade em uma e Licenciatura em Música em outra. Então me formei em Licenciatura em Música em Belém do Pará em 2005. Nesta época não existiam cursos mais voltados à produção ou composição no currículo do estado. Ao concluir a licenciatura, continuei a fazer arranjos, trilhas e projetos para bandas. Foi aí que surgiu o interesse e necessidade de usar as DAWs (Digital Audio Workstation) tendo iniciado com o Nuendo da Steinberg.

A partir daí, comecei a levar a sério e decidi investir em aprender com profissionais capacitados para não ser apenas um conhecedor do assunto. Depois de um tempo de formado, decidi então vir para os Estados Unidos, iniciando o mestrado profissional na Academy of Art University em San Francisco.

Esse mestrado, realizado em 3 anos, teve um teor prático, diferente dos programas brasileiros. Todas as disciplinas eram aplicadas em trabalhos colaborativos. Além do curso de música envolvendo produção musical e trilha sonora, a universidade tinha também cursos de cinema, animação e game. O foco do meu curso era criar um demo reel como projeto final, colaborando entre as práticas. Nessa mesma época, um compositor de Los Angeles veio como convidado durante um evento da universidade; ele gostou do meu trabalho e me chamou para estagiar com ele mesmo a distância. Nesta oportunidade, pude aprender muito, pois ele apresentava algumas metas para composição de música para programas de TV e trabalhava com uma biblioteca de músicas licenciadas, o que o levou a solicitar músicas para situações específicas de forma contínua. Isso me fez compor muita música em muitas situações em que eu não dominava o estilo e aprendi muito com isso.

Depois dessa fase, decidi que queria continuar nos Estados Unidos para continuar aprendendo. Fui cursar doutorado no Alabama. A princípio, era um doutorado acadêmico, voltado a música erudita contemporânea e não específico de trilha sonora, porém, meu professor tinha muita experiência e o curso permitia um currículo aberto a qualquer linguagem diferente. Apesar do meu professor não ter background ou especialidade em trilha sonora, ele sempre me ajudou e assim eu tive liberdade de continuar fazendo trilha sonora. Tive a oportunidade de escrever música contemporânea também e esse professor me ajudou muito com conceitos de criação que eu pude aplicar em linguagens diferentes da erudita. Assuntos como a questão da direção da narrativa da música, tudo isso que independe da linguagem. Durante o doutorado, também tive oportunidade de dar aula lá. Meu orientador me deu muito suporte durante esse período e, por volta de um ano depois, se afastou por motivos de saúde e eu fui indicado para substituir ele como instrutor, dando as aulas que ele dava de composição, orquestração e produção musical. Ele era também mais próximo da música eletrônica. Ao terminar o doutorado, fui chamado para trabalhar na Virginia Commonwealth University, em Richmond, VA, e hoje sou o professor nesta instituição dando aula de produção musical e trilha sonora.

Como é seu dia a dia na universidade?

Eu cheguei aqui um pouquinho antes da pandemia, então muita coisa mudou no planejamento do curso, mas estou aqui construindo um programa mais abrangente, que relaciona cinema, música e, portanto, trilha sonora. A universidade é muito avançada em cursos como ciência da computação e nos programas de arte como música e cinema. Já criei cursos relacionados a esse novo currículo de trilha sonora; estou dando aulas e tenho tido muitos alunos empolgados com essa nova linha na universidade.

A família se adaptou bem a essas mudanças?

Enquanto estava no mestrado eu tive um filho e outro durante o doutorado (risos). Construí uma família completa aqui, filhos americanos.

Como é seu processo de composição autoral e com outras pessoas?

Eu continuo fazendo trilhas e um pouco de música erudita também, mas mesmo na minha música erudita eu imprimo a minha visão de trilha. Apesar de usar uma linguagem de música contemporânea eu sempre estou pensando no público. Espero comunicar uma emoção, alguma coisa... fujo um pouco daquele lugar da “minha arte, assimile se quiser”. Então, mesmo quando estou fazendo composição de música erudita contemporânea eu busco ter uma narrativa, não é uma música sem lógica. Eu tenho trilhas e peças publicadas em plataformas como Spotify, Apple Music (www.linktr.ee/leitao). Continuo fazendo as duas coisas, trilha e música erudita contemporânea. Gosto muito de fazer projetos colaborativos que surgem com certa frequência. Apesar de ter minha linha de música para filme, algumas vezes participo de projetos conceituais com músicos solistas eruditos, com outros professores. Exemplo disso é um projeto com uma professora do departamento de dança que também é bem eclética, além de dança, ela atua no departamento Kinetic Imaging da VCU, faz animação com o computador, programação. Então, apesar de eu ter essa minha linha de fazer música para filme e animação, digamos assim mais comercial, uma hora ou outra acaba surgindo projetos mais conceituais ou “artísticos”.  

Quais são suas referências artísticas?

Eu tenho meus favoritos. Pensando em Brasil, gosto de Villa-Lobos. Acho muito rica a orquestração, a harmonização mesmo para cordas. Eu me inspiro muito nisso, mas sempre me perguntam se em cada música que componho eu vou ter algo de brasileiro, se uso alguma instrumentação específica. Eu não penso em imprimir uma marca brasileira de forma consciente, mas é lógico que minhas raízes devem trazer algo naturalmente para o que componho. Ao compor, eu sempre penso no que precisa ser feito para aquela determinada cena (se estou compondo uma trilha). Se for pensar em termos de clichê, eu não tenho música brasileira composta, mas minhas composições são influenciadas por Villa-Lobos, Tom Jobim. Também gosto muito das ideias de Stravinski, de montagem e de sobreposição de ritmo, e de Debussy. Já influências de trilhas de filme, eu tenho meus favoritos como John Williams na parte de orquestração, desenvolvimento de tema e criação de melodias. Pensando em produção, eu vou mais para o Hans Zimmer que é uma grande referência em termos de manipulação de sons, criação sonora, onde o recurso, a matéria prima dele não é necessariamente só a orquestra, ele é um dos grandes precursores nessa área de orquestra híbrida. E como business, onde ele detém uma marca gigante, você vê o filme e está lá a música de Hans Zimmer, mas o processo implica num número enorme de pessoas trabalhando para ele.

Pensando nas orquestras, você hoje usa recursos híbridos? Quando falamos em Hans Zimmer, penso que hoje ele é muito reconhecido por usar orquestras em suas gravações, mas também recursos digitais.  Hoje existem bibliotecas fantásticas no mercado e, ainda que não acessíveis a todos, ainda possibilitam o acesso de mais compositores e produtores.

No contexto da música do Hans Zimmer, que não é totalmente orquestral como a música de John Williams, entendo que as bibliotecas (sample libraries) soam muito bem dentro da massa sonora que ele cria. Muitas vezes, os compositores de trilha devem pensar nas questões de custo/benefício. A realidade é que maioria dos filmes também não tem músicas orquestrais. Numa trilha orquestral, nada melhor do que usar uma orquestra. Mas eu ensino para meus alunos que é importante ser versátil a ponto de conseguir compor qualquer estilo, pois, como disse antes, tem filme que não demanda uma trilha orquestral. Muitas vezes só piano e cordas. Às vezes, só piano.

Qual sua DAW preferida e por quê?  

Eu uso o Pro Tools, mas principalmente o Logic. É muito prático. Eu não conheço todas as DAWs, mas já usei o Nuendo, depois o Logic e o ProTools. Eu gosto do Pro Tools para muitas coisas, tem funções práticas para automação e até edição MIDI que gostaria que tivesse no Logic. Mas, no geral, para a criação musical e para compositores, não estou falando de gravação, o Logic é o programa que uso normalmente e também uso nas minhas aulas. Tem muitos recursos, citando alguns, por exemplo, loops, vários instrumentos nativos com qualidade razoável, integração de vídeo, piano roll, live loops (que ensino, apesar de não ser algo que uso tanto), e outras vantagens, tais como o reverb que considero um dos melhores que conheço. A integração do Flex Pitch nativo. Para quem está começando e para meu workflow, o Logic é bastante eficaz. Para notação musical, uso o Sibelius e uso muitas vezes um aberto ao lado do outro.

Durante a pandemia, você lançou um curso de orquestração MIDI e outro de masterização, certo?

Sim, eles têm o objetivo de trazer para mais pessoas recursos práticos, uma didática sem enrolação, construindo uma orquestração direto na DAW, baseado em MIDI, e para trazer o conhecimento de bibliotecas de instrumentos e recursos até mesmo gratuitos. No curso é possível entender como construir, passo a passo, e produzir uma orquestra MIDI, partindo de uma melodia e harmonia simples até uma orquestra completa. Não utilizo partituras ou conceitos complexos de teoria musical. É uma introdução ao mundo da orquestração e de como utilizar técnicas de edição e mixagem para fazer os instrumentos virtuais soarem reais! Além disso o curso também aborda aspectos de masterização. Os alunos têm me dado um feedback muito positivo e eles têm produzido muitos tracks de qualidade. Tenho também um canal no YouTube com várias dicas e tutoriais de produção musical, e orquestração MIDI (www.youtube.com/filipeleitao).

Para saber mais: http://www.filipeleitao.com/orquestramidi